Dans le cadre de la Nuit Blanche 2018 (Constellation de la Villette), HALF ONE (avec des membres ONE, l’Orchestre National Electroacoustique) et le peintre Hubert de Chalvron proposeront « Cadavre Exquis » au sein de l’Eglise Sainte-Claire de Paris.
Samedi 6 octobre. 20h30. Entrée libre.
Eglise Sainte-Claire de Paris
179 boulevard Sérurier, 75019 Paris
Musicologies francophones : nouvelles frontières disciplinaires et nouvelles technologies
20-21 septembre 2018, Faculté de musique de l’Université de Montréal, B420, 8h30-17h
La première rencontre Épistémuse offrira un espace de discussion sur la constitution et l’évolution du périmètre des musicologies francophones et sur les rapports qu’elles entretiennent avec les autres disciplines des sciences humaines et sociales (histoire, histoire de l’art, sociologie, ethnologie, anthropologie, psychologie, linguistique, sémiotique, études de genre, etc.), des sciences cognitives et des sciences exactes (mathématique, physique, acoustique, etc.) dans un contexte de développement des nouvelles technologies numériques.
Les présentations s’articuleront autour de trois thématiques :
In the early years of musique concrète Schaeffer proposed that this new approach was a form of experimental music. Of course, during this period and later, others were to use this term as well, meaning something slightly different. Still, the rationale that organising sounds was an innovative form of music making was clearly a logical and just thing to say. How true is this today? Has experimentation and innovation been overtaken by skill and technique?
Today, the term electroacoustic music now encompasses a wide variety of practices and even genres. Seventy years after the birth of concrete music, it has now become very difficult to circumscribe what electroacoustic music is or can be, because it is so diversified and has so many different styles. Clearly electroacoustic music has come a long way over the last 70 years and many will clearly state that (aspects of) their work are indeed experimental. On the other hand, there are many who have claimed, for example, that a good deal of acousmatic music has common tendencies and some even go so far to suggest that much of it sounds similar. In the field of musicology, new impulses to research are provided by various forms of technical experimentation. New musical interfaces, bio sensors, the return of hybrid synthesis and DIY devices exemplify challenges for performance studies or creative process analysis.
Has experimentalism taken a back seat to technique and, if so, is that a bad thing? Or is technique now sufficiently mature to stimulate new forms of musical experimentation? What new forms of experimental have arisen? To what extent do new technologies and techniques allow for experimentalism in electroacoustic music? This is why the theme of EMS2018 is:
Electroacoustic Music: is it still a form of experimental music?
EMS18 proposes its community to investigate the experimental of its broad horizon of musical creativity, its dynamic or lack thereof.
Information: http://www.ems-network.org/ems18/index.html
Fourth International Conference on Technologies for Music Notation and Representation
Wednesday, May 23 – 11:15 – Montréal, CIRMMT A-832
Information: http://tenor2018.tenor-conference.org
Abstract
This article presents some tools and methods to carry out transcriptions of electroacoustic music. It introduces the relationship between sound analysis and image or draw- ing at the birth of electroacoustic music and explains the interest of creating transcriptions. The article contains a proposed framework, based on several years of practice, which links musical analysis to transcription, sound analy- sis and representation. The different parts of a transcription are then detailed and methods are proposed to create anno- tations with reference to various examples I have created since the late 1990s.
The last section presents the EAnalysis package, devel- oped with Simon Emmerson and Leigh Landy at Leicester’s De Montfort University, in order to create a tool for analyzing, transcribing and representing electroacous- tic music. It introduces the interface, the architecture and the transcription features of this piece of software in rela- tion to other technologies.
Dans le cadre de la Première Journée d’Études : Société Musicologique Hellénique – Équipe de recherche RelMus/FG –IReMus
Échanges musicaux entre la France et la Grèce à l’aube du XXIe siècle, 1980-2010
Vendredi 18 mai 2018 – Salle des Actes – Sorbonne Université
De Diamorphoses en 1957 à S.709 en 1994, la musique sur support occupe une place assez réduite dans la production de Iannis Xenakis. Toutefois, chacune des œuvres a marqué l’histoire de la musique électroacoustique en renouvelant profondément le rapport au son et à la technologie. Des œuvres sur bande comme Concret PH ou Bohor aux œuvres composées sur l’UPIC comme celles que je me propose d’étudier, en passant par celles générées selon des techniques stochastiques comme Gendy 3, Iannis Xenakis a opté pour des approches radicalement différentes de ses contemporains.
Taurhiphanie et le Voyage absolu des Unari vers Andromède ont été composées à la fin des années 1980. Les deux projets sont radicalement différents : une performance en direct dans les arènes d’Arles pour la première et une diffusion à l’occasion d’une exposition de cerfs-volants à Osaka pour la seconde. Elles ont été très peu étudiées et les sources disponibles sont incomplètes. Chacune d’elle a été composée sur l’outil UPIC, développé par Xenakis et permettant de dessiner l’œuvre, de ses différentes parties aux formes d’onde qui déterminent le timbre du son. Cette approche graphique fait écho aux travaux que je réalise depuis la fin des années 1990 sur l’analyse et la représentation des musiques électroacoustiques. Je me propose donc d’appliquer à ces deux œuvres les techniques audionumériques d’analyse et de représentation du son ainsi que les techniques de visualisation de données adaptées à l’analyse musicale.
Dans le cadre du colloque Pédagogie et création
le 11 mai 2018, 11h00-11h45, La Beaudelie
Les rencontres de la tour de guet – 4ème édition
Des cédéroms à iAnalyse, du Synthé aux interfaces d’improvisation, de EAnalysis aux applications de captation de l’interprétation acousmatique, cela fait plus de 15 ans que je développe des logiciels pour la création, la pédagogie et la recherche musicologique. Cette présentation sera l’occasion de revenir sur quelques enjeux épistémologiques de l’informatique musicale et de démontrer le lien étroit qui existe entre la création, la pédagogie et la musicologie.
Conférence dans le cadre du séminaire Épistémologie de la musicologie numérique. Le statut des approches mixtes
Maison de la Recherche, 28 rue Serpente, 75006 Paris, salle D 116.
Vendredi 13 avril 9h-13h
Depuis une quinzaine d’années, les techniques audionumériques commencent à être utilisées en musicologie non seulement pour enrichir les méthodes et les pratiques mais aussi pour explorer de nouveaux champs de recherche. Cette présentation s’appuiera sur l’analyse musicale pour montrer que les enjeux épistémologiques dépassent très largement le cadre de la musique et nécessitent de repenser la musicologie comme une science interdisciplinaire.
Samedi 7 avril de 11h à 19h et dimanche 8 avril de 11h à 18h
Centre Pompidou, Place Georges-Pompidou, 75004 Paris
Niveau 4, salle 1, samedi 7 avril et dimanche 8 avril de 17H15 à 17H25 et de 17H45 à 18H
Performance de musique électroacoustique improvisée avec Pierre Couprie, Hugues Genevois et Vincent Goudard
Programme complet des manifestations
Activités gratuites dans la limite des places disponibles, le Musée national d’art moderne reste payant
Grâce à une collaboration inédite avec Sorbonne Université et le Laboratoire d’Excellence PLAS@PAR (Laboratoire d’Excellence en physique des plasmas à Paris), le Centre Pompidou propose CAMPUS – Arts et Sciences un événement autour de la physique des plasmas.
Nos défis : décloisonner les univers scientifiques, artistiques et culturels via une réflexion arts et sciences, initier des passerelles entre Sciences et Humanités, interroger la notion de transmission transversale et interdisciplinaire.
Durant tout un week-end, le programme CAMPUS – Arts et Sciences des plasmas : une expérience de la matière ionisée, permet à tous les publics d’appréhender la pertinence des collaborations artistiques et scientifiques par le biais du plasma, 4ème état de la matière (solide, liquide, gaz, plasma), autour des notions de processus et de protocoles.
Arts visuels, numériques, sonores, workshop, conférences et tables rondes, sont au cœur de la programmation pour transmettre aux publics une information scientifique essentielle tout en les plaçant au centre de la création scientifique et artistique.
Partenaires du projet : Centre Pompidou, Labex PLAS@PAR, Sorbonne Université, CNRS, Observatoire de Paris, École polytechnique, ONERA, Université Paris Sud, CEA, École normale supérieure, Université de Cergy-Pontoise, Région Ile-de-France, Ville de Paris, ITER, Collegium Musicae, European Physical Society (EPS)
Le visuel dans les performances de lutheries numériques : une nouvelle forme de rapport à l’instrument
Vendredi 9 mars – 9h30 – Session : Performance et matérialité de l’instrument électronique
Dans le cadre du colloque Les lutheries électroniques
L’apparition de l’instrument électronique mais aussi des techniques d’amplification et d’enregistrement au début du XXe siècle, l’explosion des musiques populaires après-guerre puis la révolution numérique au tournant du millénaire ont profondément bouleversé le monde de la musique. Ces innovations ont touché l’ensemble des pratiques et favorisé l’éclosion de nouveaux processus de création.
En replaçant le phénomène dans son évolution historique, ce colloque proposé par la Cité de la musique-Philharmonie de Paris en partenariat avec l’institut de Sorbonne Universités Collegium Musicae interroge les dernières évolutions en matière de lutherie électronique et numérique mais aussi les interactions entre ces dernières et la facture instrumentale traditionnelle, dans le but de faire émerger des méthodologies neuves pour explorer ces instruments, au croisement de l’organologie, de l’archéologie des techniques, de l’histoire des idées et de l’esthétique.
Programme et renseignements : https://philharmoniedeparis.fr/fr/activite/colloque/18519-les-lutheries-electroniques
Pierre Couprie, « Analyse et représentation du fantastique dans les musiques anecdotiques de Luc Ferrari », in C. Carayol, P.-A. Castanet, P. Pistone (éd.) Le Fantastique dans les musiques des XXe et XXIe siècles, Paris, Delatour, 2017, p. 94-108.
Le paysage sonore est une catégorie bien spécifique du genre électroacoustique, il met en valeur les caractéristiques esthétiques d’enregistrements d’environnements sonores. Ces derniers proviennent généralement d’environnements naturels mais peuvent aussi intégrer des captations urbaines d’activités humaines ou mécaniques. Les compositeurs produisent leurs œuvres avec les techniques habituelles de la musique électroacoustique – montage, mixage et transformations temporelles et/ou spectrales –, l’objectif restant la reconnaissance des sons ou d’une partie d’entre eux dans leur contexte. Le compositeur joue très souvent avec l’aspect dramaturgique de l’enregistrement, proposant ainsi une histoire sonore ou laissant l’auditeur naviguer au gré de son imagination.
Au milieu des années 1960, avant l’apparition du paysage sonore dans la création musicale, Luc Ferrari imagine une œuvre, Hétérozygote (1964), mêlant musique et dramaturgie, le titre provenant de la biologie et désignant un individu « porteur de deux gènes différents (récessif et dominant) sur chaque chromosome d’une même paire ». Cette mixité – la reconnaissance d’un environnement enregistré porteur d’une certaine forme de dramaturgie et le travail de composition musicale au niveau du matériau et de la forme – deviendra la signature du compositeur et influencera à différents niveaux l’ensemble des œuvres qui se rattacheront au paysage sonore. Chez Luc Ferrari, la part musicale du travail de composition est souvent très subtile, le compositeur modifie le déroulement temporel sans que cela soit perceptible ou crée des manipulations avec lesquelles l’auditeur n’est jamais vraiment sûr de savoir à quel moment elles commencent ou se terminent. De même, la construction dramatique, portée par les enregistrements d’environnements, est très souvent rehaussée de sons extérieurs, de transformations ou même de la propre voix du compositeur.
Associer le fantastique et la musique anecdotique de Luc Ferrari m’a semblé évident dès les premières recherches sur le sujet. Toutefois, le fantastique chez ce compositeur ne correspond pas à celui que l’on pourrait trouver dans la littérature et les arts du XIXe siècle, il se rapproche plutôt du terme « fantasque » à travers les notions d’originalité, de mobilité ou de changement rapide. La musique de Luc Ferrari échappe ainsi à toute prévisibilité, le compositeur n’hésite pas à nous surprendre en ouvrant de nouvelles portes comme dans la pièce radiophonique Far-West News (1999), en faisant basculer un environnement à l’aide de quelques matériaux bien choisis comme avec l’orage qui déchire le paysage dans le Presque rien n°2 (1977) ou en amplifiant un son présent en arrière-plan de l’enregistrement comme avec les bruits de la rue d’un village italien dans le Presque rien n°4 (1989). Mais cet aspect « fantasque » est aussi représenté par le paysage intérieur du compositeur, sa perception. L’auditeur est régulièrement confronté à la voix de Luc Ferrari commentant ce qu’il perçoit, ce qui l’intéresse ou non ou ce qu’il pense, mais aussi à des thématiques très personnelles comme avec Le Presque rien n°2 Ainsi continue la nuit dans ma tête multiple (1977) ou Les Arythmiques (2010).